Заканчивая краткий обзор главных западноевропейских оперных школ семнадцатого и восемнадцатого веков, подчеркнем, что этот обзор - не история оперы. Мы коснулись, очень бегло, лишь самых значительных явлений, наметили лишь вехи тех путей, по которым развивалась западноевропейская опера в течение двух столетий - от Пери и Каччини до Моцарта.
Первые оперные спектакли в России состоялись в начале тридцатых годов восемнадцатого столетия. Но это не был-л спектакли русских опер. В Петербург и в Москву приезжала итальянские труппы, ставившие короткие пьесы с музыкой, род оперы-буффа. В 1736 году в Петербурге при императорском дворе была поставлена большая итальянская опера «Сила любви и ненависти». Автор ее, опытный, но не обладавший крупным талантом итальянский композитор Арайя, остался на долгие годы в России вместе с труппой итальянских певцов. При петербургском дворе Арайя поставил ряд оперных спектаклей.
На протяжении восемнадцатого века в России работали многие иностранные композиторы, преимущественно итальянцы; среди них такие мастера, как прославленные авторы опер-буффа Паизиелло и Чимароза. Оперы этих композиторов ставились не только при дворе; в переводе на русский язык они шли в публичных оперных театрах Москвы и Петербурга; таким путем с западноевропейской оперой знакомились весьма разнородные круги русских слушателей.
Некоторые из иностранцев писали оперы и на русские тексты. Первую такую оперу написал тот же Арайя. В 1755 году на сцене придворного театра состоялась постановка его оперы «Цефал и Прокрис» на либретто известного поэта и драматурга Сумарокова. Стоит заметить, что по тогдашним взглядам автором оперы считался автор текста; «Цефала и Прокрис» современники называли оперой Сумарокова. Это была, в сущности, типичная итальянская опера-сериа и по музыке и по сюжету, заимствованному из мифа о Цефале, который стал невольным убийцей своей жены Прокрис (Прокриды). Все же «Цефал и Прокрис» - первая опера, написанная для русской сцены на русский текст и исполненная исключительно русскими певцами.
Посетители придворных спектаклей в большинстве случаев смотрели на оперу прежде всего как на пышное театральное зрелище. Однако пышными спектаклями со всевозможными постановочными эффектами не исчерпывалась оперная жизнь в России. Зарождается во второй половине восемнадцатого века русская национальная опера. Ее авторы - по большей части музыканты и литераторы, вышедшие из крестьянской среды или из небогатых слоев городского населения.
Не летающие гении, не чудовища и привидения появляются на сцене в первых действительно русских операх, а простые люди - крестьяне и горожане. Правда, жизнь деревни в некоторых операх обрисована в фальшивых, слащаво-идиллических тонах: крестьяне счастливы и благословляют помещиков. В опере-пасторали («пастушеской драме с музыкой») «Деревенский праздник» крестьяне весело поют:
Мы руками работаем
И за долг себе считаем
Быть в работе таковой.
Дав оброк, с нас положенной,
В жизни мы живем блаженной
За господской головой.
Однако в других, и притом в лучших, операх отношения между крестьянами и помещиками далеко не столь идилличны. В опере «Розана и Любим» лесник Семен поет:
Бары нашу братью так Принимают, как собак. Нет поклонов, нет речей, Как боярин гаркнет: бей В зад и в макушку и в лоб. Для него крестьянин - клоп.
В опере «Анюта» батрак Филат грозит дворянину Виктору:
...такжо и хресьяне Умеют за себя стоять, как и дворяне.
В той же опере крестьяне говорят о помещиках:
Боярская забота:
Пить, есть, гулять и спать;
И вся их в том работа,
Чтоб деньги обирать.
Мужик сушись, крушися,
Потей и работай,
И после, хоть взбесися,
А денежки давай.
Именно «Анюта» положила начало русской опере. Постановка ее состоялась в 1772 году. Есть сведения, что русские оперы ставились и ранее - в пятидесятых и шестидесятых годах. Однако оперы эти до нас не дошли. Неизвестно, что они собой представляли, в какой мере они могли действительно считаться операми. Не полностью дошла до нас и «Анюта». Не сохранилась, к сожалению, музыка оперы; неизвестно даже, кто написал эту музыку. Известно лишь имя либреттиста. Это М. Попов, человек, крепко связанный с русским театром, с русской литературой: актер, драматург, поэт, собиратель текстов народных песен, переводчик.
«Анюта» - комическая опера, по типу близкая к французским комическим операм или немецким зингшпилям. В сущности, это пьеса с музыкой: разговорные диалоги чередовались в ней с музыкальными сценами. Этот тип оперы надолго утвердился на русской сцене. Появляется ряд других опер того же жанра. Как и «Анюта», это реалистические комедии, рисующие быт и нравы современного русского общества, нередко выступающие против крепостнических порядков, обличающие развращенность дворянства, высмеивающие тупость и жадность купечества.
Нет возможности рассказать о всех русских операх восемнадцатого века. Упомянем лишь о нескольких. Среди первых русских опер, дошедших до нас полностью, с текстом и музыкой, выделяются три, появившиеся почти одновременно - на рубеже семидесятых и восьмидесятых годов. Это «Мельник - колдун, обманщик и сват», «Несчастье от кареты» и «Санкт-петербургский гостиный двор».
Автор текста «Мельника», а по тогдашним представлениям автор оперы, А. Аблесимов, скромный литератор из бедных «беспоместных» дворян, одно время служивший у Сумарокова в качестве секретаря и, по некоторым сведениям, актера домашнего театра. Бесспорное дарование Аблесимова не смогло полностью развернуться; из его пьес лишь «Мельник» завоевал прочное место в театральном репертуаре. Вскоре после первой постановки «Мельника» Аблесимов умер, еще сравнительно молодым, в крайней нужде, оставив после себя, по словам биографа, только трехногий стол, на котором он писал свои пьесы.
«Мельник» - незамысловатая комедия из народной жизни. Центральный персонаж оперы - старый мельник Фаддей. В народе он слывет колдуном и извлекает из этого, при случае, выгоду. Фаддей узнает, что Филимон и Анюта любят друг друга. Препятствие к браку - родители Анюты, которые никак не могут сговориться, за кого им выдать дочь. Мельник, изображая чародея, «ворожит» Филимону и матери Анюты. Ему удается убедить родителей Анюты, что самый подходящий для них жених - Филимон. Все довольны, и больше всех, пожалуй, мельник, получивший мзду и от Филимона и от родителей Анюты.
В веселой комедии Аблесимова нет сатиры, социальных обличений. Но, несомненно, с передовыми идеями века перекликается явная насмешка над суевериями. Мельник, прикидывающийся колдуном, отлично знает цену всякой «ворожбе». «Смешно, право, - говорит мельник, - как я вздумаю: говорят, будто мельница без колдуна стоять не может, и уж-де мельник всякой не прост: они-де знаются с домовыми, и домовые-то у них на мельницах, как черти ворочают. Ха, ха, ха! Какой сумбур мелют?! А я, кажется, сам коренной мельник: родился, вырос и состарился на мельнице, а ни одного домового сроду в глаза не видывал. А коли молвить матку-правду, то кто смышлен и горазд обманывать, так вот все и колдовство тут. Да пускай, что хотят они, то и бредят, а мы наживаем этим ремеслом себе хлебец».
Музыку к пьесе Аблесимова написал скрипач и дирижер московского театра Соколовский, о котором сохранилось мало сведений. По-видимому, это был одаренный, но не получивший систематического образования композитор. Позднее музыку «Мельника» переработал Е. Фомин. Так же, как и Соколовский, это был один из «разночинных» русских композиторов восемнадцатого века - сын солдата-артиллериста. Фомину удалось получить хорошее музыкальное образование: сначала он учился в России, в музыкальных классах Академии художеств, затем в Италии, где ему было присвоено звание академика Болонской филармонической академии.
Характер музыки «Мельника» определил сам Аблесимов. Все музыкальные сцены должны петься, по его указанию, «на голос» (на мотив) той или иной русской песни. Аблесимов, очевидно, хорошо знал народное песенное творчество, потому что «голоса» выбраны удачно, в соответствии с обликом каждого персонажа. Веселую плясовую песню поет Филимон, задушевно-грустную - Анюта. В неторопливой песне мельника слышатся юмор и лукавство.
Соколовский и Фомин не ограничились обработкой намеченных Аблесимовым «голосов». Народные напевы получают в музыке развитие. На их основе композиторы создают и песни-арии и вокальные ансамбли.
Ни одна русская опера восемнадцатого века не имела такого большого и длительного успеха, как «Мельник-колдун, обманщик и сват». Слушателей привлекала к ней и веселая комедийная фабула и народная музыка, так органично слившаяся с народным сюжетом. Впрочем, нашлись у «Мельника» и критики, возмущавшиеся «простонародностью» «мужицкой» пьесы Аблесимова. Анонимный автор писал в сатирических стихах, обращенных к Аблесимову:
Мы все твою узнали цену, Как ты луну стащил на сцену И лошадь на театр привел.
Ты посиделки нам представил, Петь песни свадебны заставил И слушать их ты нам велел.
Такого рода критика не помешала посетителям театров полюбить пьесу Аблесимова и музыку Соколовского и Фомина. Уже в год первой постановки «Мельник» шел много раз в Петербурге и в Москве при полных зрительных залах. «Драматический словарь» 1787 года сообщает, что опера «Мельник - колдун, обманщик и сват» «не только от национальных была слушана с удовольствием, но и иностранцы любопытствовали довольно; кратко сказать, что едва ли не первая русская опера имела столько восхитившихся спектатеров и плескания».
«Мельник» удержался на сцене до середины девятнадцатого столетия. Исполнялся он и в наше, советское время.
Автор текста «Несчастья от кареты» Я. Княжнин - известный русский писатель конца восемнадцатого века, «вольнодумные» произведения которого вызвали недовольство императрицы Екатерины. В «Несчастье от кареты» автор пьесы выступает против одного из зол крепостного строя - торговли людьми. К сожалению, идиллически-благополучный конец пьесы смягчает ее социальную остроту.
Сюжет оперы таков. Помещик Фирюлин, страстный поклонник всего французского, хочет купить дорогую карету, привезенную из столицы Франции. Необходимой суммы у Фирюлина не оказывается; тогда он решает продать в рекруты своего крепостного, Лукьяна. Лукьян в отчаянии: ему придется расстаться с невестой Анютой. Влюбленных спасает от разлуки та же страсть Фирюлина к французскому. Живя в доме Фирюлина и постоянно слыша французскую речь, Лукьян сам научился немного говорить по-французски. Когда он обратился к Фирюлину на французском языке, умиленный галломан отпустил его на свободу и разрешил Анюте выйти за него замуж.
Музыку к пьесе Княжнина написал В. Пашкевич, один из наиболее одаренных русских композиторов восемнадцатого века, скрипач придворного оркестра и автор нескольких пьес. Музыка «Несчастья от кареты» богаче, разнообразнее, чем музыка «Мельника». Лукьян и Анюта не беззаботные веселые поселяне. Им грозило тяжелое горе. Они способны к глубоким чувствам, к борьбе за свое счастье. Об этой борьбе, о драме крепостных людей рассказывает и текст Княжнина и талантливая музыка Пашкевича.
Автор оперы «Санктпетербургский гостиный двор» - М. Матинский. Вышедший из крепостной среды, Матинский стал весьма разносторонним деятелем русской культуры - преподавателем математики, истории и географии, автором учебников по этим предметам, переводчиком, драматургом и, наконец, композитором.
В «Гостином дворе» Матинским написаны и текст и музыка. Через несколько лет после первой постановки «Гостиного двора» музыку оперы переработал Пашкевич - очевидно, по просьбе Матинского. В «предуведомлении» ко второй редакции оперы Матинский говорит: «Некоторые песни сей оперы совсем на другой голос переложены, ко всем же вообще подведено лучшее согласие (сопровождение. - А. С.) музыки трудами придворного музыканта г. Пашкевича». Очевидно, Пашкевич некоторые номера оперы написал заново, другие проредактировал. Определить точно, в какой мере музыка оперы принадлежит Матинскому и в какой Пашкевичу, трудно, так как первоначальная редакция «Гостиного двора» не сохранилась. В новой редакции опера Матинского получила другое название: «Как поживешь, так и прослывешь».
Матинского-драматурга считают одним из предшественников Гоголя и Островского. Быт и нравы купечества, мелких чиновников, мещан - обычное содержание пьес Матинского, в том числе и «Санктпетербургского гостиного двора». Главные действующие лица оперы - купец Сквалыгин и жених его дочери чиновник Крючкодей. Эта достойная друг друга пара не брезгует ничем: взятки, подлоги, обман, разного рода мошенничества - все пускается в ход ради наживы. Справедливость, однако, торжествует: Сквалыгин и Крючкодей разоблачены и несут наказание по закону.
«Санктпетербургский гостиный двор» - сатирическая и забавная комедия, в которой музыке отведена очень важная роль. В «предуведомлении» к «Гостиному двору» Матинский сообщает, что опера его - «в близком свойстве мельнику Фаддею», иначе говоря - родственна опере Аблесимова, Соколовского и Фомина. Родственна и по народности сюжета и по народности музыки.
В опере звучат и народные песни и созданные Матинским и Пашкевичем мелодии народного склада. Выразительны речитативы «Гостиного двора», выросшие из русской народной речи. Вокальные формы в «Гостином дворе» весьма разнообразны. Здесь и арии, и песни, и хоры, и ансамбли. Превосходна чрезвычайно популярная в свое время песня о взятках Крючкодея. Забавен секстет четырех купцов и двух дам: перебивая друг друга, купцы расхваливают свои товары дамам-покупательницам.
«Гостиный двор» имел огромный успех у посетителей театров. Популярность его лишь немногим уступала популярности «Мельника».
Соколовский вошел в историю русской музыки только как автор музыки к пьесе Аблесимова. Композиторская деятельность Матинского, видимо, ограничилась сочинением музыки к его собственной пьесе «Гостиный двор». А Фомин и Пашкевич написали каждый по нескольку опер, с успехом шедших на русских сценах. Из опер Фомина наиболее известны «Ямщики на подставе», «Американцы», «Орфей»; из опер Пашкевича, кроме «Несчастья от кареты», - сатирическая комедия «Скупой».
Одним из крупнейших русских композиторов восемнадцатого века был Д. Бортнянский. Уроженец Украины, он в раннем детстве поступил в петербургскую певческую капеллу; мальчиком ок пел в придворных концертах и оперных спектаклях, исполняя ведущие роли. Десять лет Бортнянский провел в Италии. За годы обучения в Италии он прошел серьезную композиторскую школу. В Италии Бортнянский написал несколько опер на итальянском языке в жанре оперы-сериа. Оперы эти с успехом шли на сценах итальянских театров. Вернувшись в Россию, Бортнянский сочинял преимущественно инструментальную музыку, а позднее, став директором певческой капеллы, - хоровую.
В России в восьмидесятых годах Бортнянский создает несколько опер на сюжеты из западноевропейской жизни. Либретто написаны на французском языке, но музыка опер (особенно «Сына-соперника») имеет самобытный характер. Она отличается благородством, искренностью и проникнута жизнеутверждающим мироощущением.
Можно лишь пожалеть, что этот талантливый русский композитор не испытал свои силы в операх на русские сюжеты.
На рубеже столетий происходит смена поколений русских оперных композиторов. Заканчивается жизнь Фомина и Пашкевича. Отходит от оперного жанра Бортнянский. В то же время выдвигаются новые композиторские имена, выявляются новые черты русского оперного искусства.
Утеряла свое прежнее значение комическая опера. Плодовитый автор бытовых комических опер А. Титов, композитор-дилетант из дворянской среды, не смог подняться до уровня своих предшественников Фомина и Пашкевича. Гораздо ценнее маленькая комическая опера А. Алябьева «Лунная ночь, или Домовые». К сожалению, ее высокоталантливый автор, прославивший свое имя романсами, оперой интересовался очень мало.
В начале столетия зарождаются новые оперные жанры.
Романтические вкусы эпохи влекли посетителей театра к красочному миру народной поэзии с ее причудливой фантастикой, с древними преданиями и легендами. Этот мир оживал на сцене в «волшебных» операх, которые появлялись одна за другой и имели обычно большой успех у зрителей.
В течение многих лет на русских сценах ставилась сказочная опера «Русалка». Это была не столько русская, сколько «обрусевшая» опера. В Россию она пришла из Вены. Драматург Генслер написал по мотивам немецких народных сказок либретто оперы под названием «Дунайская девушка». Поставленная с музыкой Кауэра и Мюллера, опера имела огромный успех, побудивший Генслера написать ее продолжение. Появились еще две оперы, развивавшие тот же сюжет. Музыку написали Кауэр и Бирей. Так получилась оперная трилогия - опера в трех спектаклях - под общим названием «Леста, дунайская русалка».
Русский драматург Н. Краснопольский перевел и переработал первую часть «Лесты», перенеся действие на берега Днепра, заменив немецких персонажей русскими и введя образы народных русских сказок. Подверглась переработке и музыка. Музыкальные дополнения к опере написал весьма одаренный композитор С. Давыдов, получивший музыкальное образование в петербургской придворной капелле. Музыка Давыдова к «Русалке» в значительной степени основана на русских народных песнях.
Вслед за первой частью «Русалки» Краснопольский переработал вторую и третью, а драматург А. Шаховской самостоятельно написал четвертую. В музыкальной обработке второй части принял участие К. Кавос, музыка третьей и четвертой целиком написана Давыдовым. Таким образом, в русском варианте «Леста» превратилась из трилогии в тетралогию - четырехчастную оперу, основным автором которой следует считать Давыдова.
Канва сюжета «Русалки» такова. Князь Видостан полюбил крестьянскую девушку Лесту. Покинутая князем, ожидающая ребенка Леста бросается в Днепр и превращается в русалку. Князь женится на Милославе. Леста не может забыть князя и является ему то в виде старой волшебницы, то в виде крестьянки. Юная русалочка Лида, дочь Видостана и Лесты, помогает матери увлечь князя на дно Днепра. Естественно было бы на этом закончить пьесу, но авторы не хотели отказаться от традиционной счастливой развязки. Леста великодушно возвращает Видостана Милославе.
Легко заметить, что в сюжете «Лесты» немало общего с пушкинской «Русалкой», написанной значительно позже. Но у Пушкина та же фабула разработана намного лаконичнее и с гораздо большим драматизмом В «Лесте» действие растянуто (на четыре спектакля!), перегружено событиями, нередко малосущественными. Однако зрители прощали опере Кауэра - Давыдова и растянутость, и драматические наивности, и неровность, и разностильность музыки за то волнение, которое вызывала судьба Лесты, за многие страницы подлинно поэтичной музыки Давыдова, а также за постановочные эффекты, весьма ценимые в ту эпоху театральной публикой. В 1829 году журнал «Московский телеграф» писал в связи с двадцатипятилетием постановки «Русалки» в Москве: «Первая часть сей оперы была представлена в первый раз в Москве в 1804 году. Она так понравилась публике, что старый и малый должны были видеть «Русалку». Арии из «Русалки» напевались всеми, бальная музыка заимствовалась из «Русалки», на детских балах, бывших в большой моде, прелестные на сочинения г. Иогеля, танцевались под известные напевы: «Приди в чертог ко мне златой» и «Полноте вздорить, начните плясать»; учителя на фортепьяно обязаны были доставлять барышням Theme con variazioni (темы с вариациями) из «Русалки»; даже лакей, который, гуляя под качелями, делал приветствие разрумяненной красавице своего сословия, получал от нее в ответ: «Мужчины на свете, как мухи, к нам льнут».
Арию Лесты упоминает Пушкин в «Евгении Онегине». Именно этой арией пытались пленить Ленского соседские помещичьи дочки.
Богат, хорош собою, Ленский Везде был принят как жених; Таков обычай деревенский; Все дочек прочили своих За полурусского соседа; Взойдет ли он - тотчас беседа Заводит слово стороной О скуке жизни холостой; Зовут соседа к самовару, А Дуня разливает чай; Ей шепчут: «Дуня, примечай!» Потом приносят и гитару, И запищит она (бог мой!): Приди в чертог ко мне златой!..
На столичных сценах «Русалка» удержалась до середины девятнадцатого столетия, а в провинциальных городах ставилась и позже.
Патриотический подъем, вызванный Отечественной войной 1812 года, оказал очень сильное воздействие на русскую литературу, на русское искусство. Появляются патриотические произведения героического содержания, большей частью на исторические сюжеты. Авторы таких произведений особенно охотно обращаются к знаменательной эпохе борьбы за национальную независимость в начале семнадцатого столетия. События этой эпохи, естественно, приходили тогда на память, так как имели много общего с событиями войны 1812 года. Вскоре после Отечественной войны появились драма Крюковского «Пожарский», оратория композитора С. Дегтярева «Минин и Пожарский», дума Рылеева «Иван Сусанин». К той же эпохе обратились драматург Шаховской и композитор Кавос в опере «Иван Сусанин».
Однако «Ивана Сусанина» Шаховского и Кавоса нельзя еще считать подлинно национальной патриотической оперой. Это всего-навсего была только попытка создать такую оперу, и попытка во многом неудачная. Поэтому историческое значение «Ивана Сусанина» невелико. И драматургию и музыку оперы можно легко подвергнуть критике. Шаховской, например, отступает от исторической истины в самом важном по драматургии моменте оперы: Сусанин не гибнет, его выручает отряд русских войск. Спасшийся волей либреттиста, Сусанин поет:
Пусть злодей страшится И дрожит весь век, Должен веселиться Добрый человек.
Такой благополучной развязкой снижается драматизм всего произведения, снижается героический подвиг и весь образ Сусанина.
Музыка Кавоса нередко безлична, не создает ярких, сильных характеров. Однако есть у Кавоса и очень удачные страницы. Например, прекрасно разработана народная мелодия в хоре «Не бушуйте, ветры буйные».
Из всех русских оперных композиторов доглинкинского времени самым талантливым нужно признать А. Верстовского. Жизненный путь его охватывает первую половину и начало второй половины прошлого века. Расцвет его творчества приходится на двадцатые и тридцатые годы. Музыка рано вошла в жизнь Верстовского. Отец его, состоятельный помещик, имел хорошую нотную библиотеку и даже небольшой оркестр из крепостных музыкантов. Верстовский был неплохим пианистом, однако творчество влекло его больше, чем фортепьянная игра. Его первые творческие опыты - музыка к водевилям, веселым пьесам-фарсам, весьма распространенным в ту эпоху. Изящные водевильные песенки Верстовского очень нравились театральной публике, но сам он быстро разочаровался в этом музыкальном жанре. Ему ближе были драматические образы. Драматичны его лучшие романсы, например прославленная «Черная шаль» на слова Пушкина. Драматичны и его оперы. Оперное творчество Верстовского связано с Москвой, куда он переехал из Петербурга в начале двадцатых годов. В течение почти четырех десятилетий Верстовский фактически руководил Большим и Малым театрами. В Москве, в кружке литераторов и артистов, в который входил Верстовский, зародилась мысль о новом, для русского искусства оперном жанре - о национальной романтической русской опере. Создателем этого жанра и стал Верстовский. Правда, для первой из романтических опер Верстовского либреттист (известный писатель М. Загоскин) заимствовал сюжет из польской легенды, из предания о пане Твардовском, продавшем душу дьяволу. Но эта славянская легенда оказалась близкой и русскому писателю - автору либретто и русскому композитору - автору музыки. Оригинальный колорит придают опере романтизированные образы цыган, столь характерные в ту пору для русского искусства, для русской литературы. Всего за год до постановки «Пана Твардовского» вышла из печати поэма Пушкина «Цыганы», с которой явно перекликается опера. И у Верстовского цыгане обрисованы в романтических тонах, как свободолюбивый, близкий к природе народ. И у Верстовского один из героев -разочарованный в жизни юноша; он сразу заставляет вспомнить пушкинского Алеко. «Пан Твардовский» не удержался на сцене. Скоро была забыта и музыка его. Но песня цыган «Мы живем среди полей» надолго пережила оперу; эту песню молодежь распевала в продолжение нескольких десятилетий, когда никто уже и не вспоминал о «Пане Твардовском». Вскоре после постановки исчезла из репертуара и вторая романтическая опера Верстовского - «Вадим», написанная по поэме Жуковского «Двенадцать спящих дев». Совершенно по-иному сложилась судьба, третьей оперы Верстовского - «Аскольдовой могилы». Именно «Аскольдова могила» ввела его имя в историю русской музыкальной культуры как имя выдающегося оперного композитора. Однако «Аскольдова могила» осталась единственным крупным достижением Верстовского в оперном жанре. Оперы, написанные Верстовским после «Аскольдовой могилы», нельзя и сравнивать с ней по художественной ценности. Сценическая жизнь их оказалась недолговечной, общественного внимания они не привлекли. Либретто «Аскольдовой могилы» написал для Верстовского Загоскин по собственной повести того же названия. Советским читателям Загоскин известен главным образом как автор исторических романов - знаменитого в свое время «Юрия Милославского» и «Рославлева». «Аскольдова могила» - тоже историческая повесть. Но историческая обстановка в ней более условна, чем в названных романах. Автор не рисует значительных исторических событий, зато создает занимательную, романтически-таинственную, полную приключений драматическую интригу. В либретто оперы Загоскин кое в чем отступает от фабулы своей повести, не меняя, впрочем, основного ее содержания и сохраняя романтический колорит. Действие оперы происходит в Киевской Руси, примерно тысячу лет тому назад. Юный Всеслав, сирота, живущий при дворе князя Святослава, любит дочь рыбака Надежду. Препятствие к их браку - разная вера: Всеслав, как и прочие дружинники князя, - язычник, Надежда - христианка. Препятствие это преодолимо: Всеслав готов перейти в христианскую веру. Однако происходят события, которые грозят навсегда разлучить влюбленных. Всеславу назначает встречу на кладбище человек, не назвавший своего имени, - Неизвестный. Задумав заговор против Святослава, он хочет сделать юношу орудием для осуществления своих намерений. Глубокой ночью у могилы князя Аскольда Неизвестный открывает Всеславу тайну его рождения: Всеслав - потомок убитого предками Святослава князя Аскольда. Всеслав должен, убеждает его Неизвестный, восстать против Святослава и занять княжеский престол, которым должны владеть потомки Аскольда. Всеслав отказывается: он не хочет изменять князю. В это же время недалеко от Аскольдовой могилы находится Надежда, пришедшая на тайное сборище христиан. Вслед за Надеждой на кладбище пробирается с несколькими ратниками Вышата, один из приближенных князя. По наущению Неизвестного он выслеживает девушку, чтобы похитить ее для князя. Неизвестный надеется, что таким путем ему удастся склонить Всеслава на свою сторону. Всеслав пытается защитить невесту, но безуспешно. Надежда в руках Вышаты, ее ждет участь других княжеских пленниц: она должна стать наложницей Святослава. Всеслав, убивший в схватке одного из ратников Вышаты, вынужден скрываться, но с помощью Неизвестного и скомороха Торопки ему удается освободить Надежду. Колдунья Вахромеевна обнаруживает тайное убежище Всеслава, Надежды и Неизвестного. Они пытаются спастись, но на берегу Днепра их настигает поганя. Судьба беглецов различна: Всеслава и Надежду ожидает, наконец, счастье - князь возвращает Надежде свободу и прощает Всеславу убийство ратника; Неизвестный гибнет в волнах Днепра. Многие десятилетия, вплоть до первых лет нашего века, «Аскольдова могила» ставилась на русских оперных сценах. А лучшие песни и хоры из «Аскольдовой могилы» звучали не только на сцене. Песни Торопки «Близко города Славянска» и «Заходили чарочки по столику», ария Неизвестного «В старину живали Деды», хор рыбаков «Гой ты, Днепр», хор заточенных в княжеском тереме девушек «Ах, подруженьки, грустно», по существу, стали городскими народными песнями. Недаром они часто упоминаются в русской литературе прошлого столетия. Да и в наши дни их можно услышать на эстраде, по радио, а иной раз и в домашней обстановке. В чем секрет быстрого признания, огромного успеха и длительной жизни «Аскольдовой могилы»? Конечно, здесь имела значение и фабула, созданная талантливым автором либретто. Правда, Загоскина и Верстовского не раз упрекали в перегрузке оперы туманной романтикой. Однако этот упрек справедлив лишь отчасти. Тайне рождения Всеслава, загадочному «демоническому» образу Неизвестного, зловещему облику колдуньи, мрачной сцене на кладбище и еще более мрачной сцене гадания - всем этим «сверхромантическим» образам и сценам противопоставлены превосходные народные сцены. Сочетание увлекательной романтической интриги с реалистическими картинами жизни древней Руси - в этом бесспорное достоинство либретто Загоскина. И все же своим успехом «Аскольдова могила» обязана прежде всего музыке Верстовского. В «Аскольдовой могиле», как и в других русских операх доглинкинской поры, музыкальные сцены чередуются с разговорными диалогами. Но музыка в опере Верстовского главенствует безусловно. Музыка создает выпуклые, запоминающиеся образы действующих лиц. Музыка раскрывает драматизм важнейших моментов действия. В музыке - очарование замечательных народных сцен «Аскольдовой могилы». Самая сильная сторона музыки Верстовского - мелодическое богатство и тесные связи с народным искусством. Подлинных народных мелодий в «Аскольдовой могиле» нет. Верстовский сам создавал мелодии, близкие к народным напевам, городским песням и распространенным в русском быту лирическим романсам. Наиболее близки к народному русскому искусству хоры «Аскольдовой могилы». «Тут развернулось, - говорит А. Н. Серов, - все дарование композитора, призванного проложить русской музыке прямой путь к истинной народности». Этой истинной народности русская опера достигла в творчестве Глинки и других великих мастеров русского музыкального искусства. «Аскольдова могила» - вершина русской оперы доглинкинского времени. Даже хронологически она оказалась предшественницей первой оперы Глинки. Премьера «Аскольдовой могилы» состоялась осенью 1835 года. А год спустя впервые был показан на сцене «Иван Сусанин», открывший новый, классический период истории русского музыкального искусства.
Приворот является магическим воздействием на человека помимо его воли. Принято различать два вида приворота – любовный и сексуальный. Чем же они отличаются между собой?
По данным статистики, наши соотечественницы ежегодно тратят баснословные суммы денег на экстрасенсов, гадалок. Воистину, вера в силу слова огромна. Но оправдана ли она?
Порча насылается на человека намеренно, при этом считается, что она действует на биоэнергетику жертвы. Наиболее уязвимыми являются дети, беременные и кормящие женщины.
Испокон веков люди пытались приворожить любимого человека и делали это с помощью магии. Существуют готовые рецепты приворотов, но надежнее обратиться к магу.
Достаточно ясные образы из сна производят неизгладимое впечатление на проснувшегося человека. Если через какое-то время события во сне воплощаются наяву, то люди убеждаются в том, что данный сон был вещим. Вещие сны отличаются от обычных тем, что они, за редким исключением, имеют прямое значение. Вещий сон всегда яркий, запоминающийся...
Существует стойкое убеждение, что сны про умерших людей не относятся к жанру ужасов, а, напротив, часто являются вещими снами. Так, например, стоит прислушиваться к словам покойников, потому что все они как правило являются прямыми и правдивыми, в отличие от иносказаний, которые произносят другие персонажи наших сновидений...
Если приснился какой-то плохой сон, то он запоминается почти всем и не выходит из головы длительное время. Часто человека пугает даже не столько само содержимое сновидения, а его последствия, ведь большинство из нас верит, что сны мы видим совсем не напрасно. Как выяснили ученые, плохой сон чаще всего снится человеку уже под самое утро...
Согласно Миллеру, сны, в которых снятся кошки – знак, предвещающий неудачу. Кроме случаев, когда кошку удается убить или прогнать. Если кошка нападает на сновидца, то это означает...
Как правило, змеи – это всегда что-то нехорошее, это предвестники будущих неприятностей. Если снятся змеи, которые активно шевелятся и извиваются, то говорят о том, что ...
Снятся деньги обычно к хлопотам, связанным с самыми разными сферами жизни людей. При этом надо обращать внимание, что за деньги снятся – медные, золотые или бумажные...
Сонник Миллера обещает, что если во сне паук плетет паутину, то в доме все будет спокойно и мирно, а если просто снятся пауки, то надо более внимательно отнестись к своей работе, и тогда...
При выборе имени для ребенка необходимо обращать внимание на сочетание выбранного имени и отчества. Предлагаем вам несколько практических советов и рекомендаций.
Хорошее сочетание имени и фамилии играет заметную роль для формирования комфортного существования и счастливой судьбы каждого из нас. Как же его добиться?
Еще недавно многие полагали, что брак по расчету - это архаический пережиток прошлого. Тем не менее, этот вид брака благополучно существует и в наши дни.
Очевидно, что уход за собой необходим любой девушке и женщине в любом возрасте. Но в чем он должен заключаться? С чего начать?
Представляем вам примерный список процедур по уходу за собой в домашних условиях, который вы можете взять за основу и переделать непосредственно под себя.
Та-а-а-к… Повеселилась вчера на дружеской вечеринке… а сегодня из зеркала смотрит на меня незнакомая тётя: убедительные круги под глазами, синева, а первые морщинки
просто кричат о моём биологическом возрасте всем окружающим. Выход один – маскироваться!
Нанесение косметических масок для кожи - одна из самых популярных и эффективных процедур, заметно улучшающая состояние кожных покровов и позволяющая насытить кожу лица необходимыми витаминами. Приготовление масок занимает буквально несколько минут!
Каждая женщина в состоянии выглядеть исключительно стильно, тратя на обновление своего гардероба вполне посильные суммы. И добиться этого совсем несложно – достаточно следовать нескольким простым правилам.
С давних времен и до наших дней люди верят в магическую силу камней, в то, что энергия камня сможет защитить от опасности, поможет человеку быть здоровым и счастливым.
Для выбора амулета не очень важно, соответствует ли минерал нужному знаку Зодиака его владельца. Тут дело совершенно в другом.
© Все права на статьи принадлежат авторам сайта, если не указано иное.
16 +